Vernissage 20. Januar 2025, Einführung startet Punkt 18.45 Uhr (anschliessend Performance)

Die ring ring-Kabine verbindet sich mit sechs Kabinen im Stadtraum.

Performer*innen: Georg Aerni, Christine Bänninger, Ida Dober, Marie-Anne Lerjen, Regula Michell, Hans-Georg von Arburg, Peti Wiskemann

Mit der Erfindung des Telefons wurde es möglich, zeitgleich mit Personen zu sprechen, die sich an einem ganz anderen Ort befinden. Während es anfänglich nur ausgewählte Läden oder Büros waren, welche über «Fernsprechapparate» verfügten, tauchten diese mit der Zeit auch im öffentlichen Raum auf. Offensichtlich ging man davon aus, dass es für diese Gespräche einen geschützten Raum braucht. So entstand die Telefonkabine. Heute, wo wir immer und überall telefonieren, sind die übriggebliebenen nur noch Relikte. Doch durch sie ist der «eingehüllte Raum» mit seinem konkreten Standort immer noch erfahrbar. Die Ausstellungs-Aktionen von lerjentours für den Kunstraum ring ring verstehen sich als Hommage an diese Raumkapseln. Herzliche Einladung zu einer Performance, einer interaktiven Installation und einem Walk.
Marie-Anne Lerjen, lebt und arbeitet in Zürich

Finissage mit Tele-Walk
Samstag, 29. März 2025, 13 Uhr
Treffpunkt: ring ring, Basislager, Aargauerstrasse 60, Zürich
Dauer: wird noch bekannt gegeben
Kosten: Kollekte


Text und Bild: Marie-Anne Lerjen

Ein gelber Vorhang bewegt sich im Takt des Ventilators. Die Siebdruckrahmen trocknen währenddessen auf einer weissen Leiter im Sonnenlicht. Es ist heiss auf der Terrasse des Ateliers von Kaali collective in Dhaka. Die Künstlerin Esther Schena führt dort Workshops durch, die weit mehr als die Technik des Siebdrucks erzählen.

Dabei steht weniger das fertige Bild im Vordergrund sondern der Prozess und die Arbeit im Kollektiv. Es wird über die individuellen und gemeinsamen Erfahrungen reflektiert. Alle sprechen dieselbe Sprache, verbal und nonverbal. Aus Erinnerungsbilder des dreiwöchigen Aufenthaltes in Bangladesch kreiert Esther Schena für die Telefonkabine ring ring ein ortspezifisches Werk. Sie verwendet dafür Stoffe, die sie mit einer lichtempfindlichen Emulsion bestreicht, trocknen lässt, um danach diverse Objekte darauf zu plazieren und mit UV-Licht zu belichten. Es handelt sich um die klassische Art einer Siebdruckbelichtung. Allerdings verändert Esther Schena die Emulsion farblich und sie spannt kein Sieb auf einen Rahmen weder bei der Beschichtung noch bei der Belichtung. Diesen unkonventionellen Umgang mit Material und Technik nutzt die Künstlerin, um auch formal auf den Inhalt der Arbeit einzugehen. Es entstehen neue Erinnerungsbilder, zufällige vielleicht, sie sind unscharf und scheinen flüchtig zu sein, der Erinnerung ähnlich. Und es stellt sich den Betrachter*innen die Frage Is this the final print? Oder anders gefragt, kann ein Druckerzeugnis die Erinnerung abbilden? Gibt es nur die eine und wahre Erinnerung? Und was ist, wenn die Erinnerungen verschwinden? Was bleibt dann? Die Schriftstellerin Judith Schalansky schreibt in ihrem Buch Verzeichnis einiger Verluste: «[...], dass der Unterschied zwischen An- und Abwesenheit womöglich marginal ist, solange es die Erinnerung gibt¹». Der Künstlerin Esther Schena gelingt dies, in dem sie die Erinnerung in den Kunstkontext transformiert.

Esther Schena (*1976) lebt und arbeitet in Zürich und ist in Graubünden in Val Müstair aufgewachsen. Sie absolvierte zuerst eine Lehre als Siebdruckerin, studierte danach an der F+F Bildende Kunst und vertiefte ihre künstlerische Fähigkeit mit einem Master of Fine Arts an der ZHdK. Zudem entwickelt Esther Schena bis heute den Siebdruck weiter. Sie betreibt dafür nicht nur eine eigene Werkstatt, sondern setzt auch in ihren künstlerischen Arbeiten unterschiedliche Drucktechniken ein, um neue Ausdrucksformen zu finden. Dabei beschäftigt sie sich mit dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, sowohl auf der technischen Ebene wie auch im philosophischen Kontext. Sie ist Teil des Kollektivs M.Paradoxa und engagiert sich seit 2022 bei Visarte Schweiz als Vizepräsidentin.

¹ Judith Schalansky:Verzeichnis einiger Verluste, Berlin, 2018, S. 26.


Text: Sibylle Meier
Bilder: Christian Beutler

Die Künstlerin Theres Liechti wandelt die Telefonkabine ring ring in einen Leuchtkasten um. Sie montiert dafür Backlitpapier auf die sechs Glasscheiben und beleuchtet sie von innen. Damit verwehrt sie den Blick ins Innere der Kabine. Die Schwarzweiss-Fotografie zeigt konträr dazu den Blick in eine Zimmersituation. Es wirkt als ob sie zufällig entstanden sei. In den linken zwei Ausschnitten ist eine stehende, lachende, männliche Person mit einer Tasche zu sehen. Auf den mittleren zwei Bildteilen liegt eine Frau auf einem Sessel in Decken gehüllt, die Beine sind auf einem Stuhl hochgelagert. Die weibliche Person scheint mit dem Mann zu kommunizieren, ihr Kopf ist ihm zugewandt. Auf der rechten Kabinenseite schaut ein auf dem Sofa liegender Hund, ein Chihuahua, direkt in die Kamera und lädt dazu ein, die Szenerie zu beobachten. Der Titel der Arbeit NIGHT VISIT / IN DER GUTEN STUBE legt nahe, dass hier ein Wohnzimmer präsentiert wird, ein Alltagsmoment, und die Betrachter*innen zu Voyeur*innen werden. Es handelt sich dabei um die «gute Stube» der Künstlerin, die mit einer Infrarotkamera mit Bewegungsmelder experimentiert und Einblicke in ihr privates Leben offenlegt. Diese Kamera wird eigentlich für das Beobachten von Wildtieren benutzt und nicht, um Schnappschüsse im Haushalt zu machen. Es scheint als ob Theres Liechti die zwei Gegensätze - privat versus öffentlich – anhand der Überwachungskamera auslotet. Wissen die Personen, dass sie observiert werden und intime Einblicke in ihr Privatleben für Dritte preisgeben? Und aus welchem Grund werden sie überwacht? Eine Reihe von Bezügen sind denkbar, zu Überwachungskameras im öffentlichen Raum, zur Verarbeitung und Speicherung privater Daten im Internet, zur Kommunikation auf Social Media. Vielleicht bietet die gläserne Hülle der Werkes symbolisch eine Verbindung zum gläsernen Menschen? Unklar bleibt zudem, wer mit dem NIGHT VISIT, dem Nachtbesuch, gemeint ist. Sind es die Protagonist*innen auf der Fotografie, die durch ihre Bewegung das Bild verursachten? Oder sind es die Personen, welche dem persönlichen Moment durch die fotografische Datenerfassung von aussen beiwohnen?

Theres Liechti (*1968 Zürich) lebt und arbeitet seit 1990 in Winterthur und absolvierte an der Zürcher Hochschule der Künste ein Studium in Vermittlung Gestaltung & Kunst. Die Multimediakünstlerin bewegt sich mühelos zwischen zeichnen, fotografieren, filmen und Objektkunst. Die Umwelt und der eigene Alltag dienen ihr dabei als Inspirationsquelle und beschäftigt sich in ihren Werken mit den Heile- Welt- Vorstellungen und deren Fragilität, oft auch mit einem Augenzwinkern.

Text: Sibylle Meier
Bilder: Christian Beutler

Wie ein architektonischer Körper schwebt in der Telefonkabine von ring ring ein Metallobjekt, das aus zwei Lampenschirmen und zwei Ventilatoren besteht, welche mit einem Mittelstück verschraubt worden sind. Maria Bill verrät mit dem Titel SAT / SET / 001, dass es sich um einen Satelliten handelt oder vielmehr um Teile davon. Das Universum beschäftigt die Künstlerin seit ihrer Kindheit und die Mondlandung 1969 ist in ihrer Erinnerung präsent. Nicht nur Comics, Bücher, Texte oder Science-Fiction-Literatur, die das Weltall thematisieren förderten ihr Interesse, sondern auch ihr Vater, der Physiker war. Die Künstlerin nutzt ihre Vorstellungskraft um in der materiellen Welt einen Satelliten zu schaffen. Hierfür verwendet sie Objekte, die seit über 15 Jahren in ihrem Besitz sind. Allerdings transformiert sie deren ursprüngliche Funktion des Lichtformens und Luftbewegens, nur um sie ihnen letztlich ganz zu entziehen. Wie in einem Kuriositätenkabinett ist der Satellit hinter Glas konserviert und scheint in einer anderen Zeit existiert zu haben. Kein Signal ist zu hören, keine Datenübermittlung machbar und keine Kommunikation. Ein schwarzes Loch an der Wand, vielleicht auch der Satellitenschatten, absorbiert alles in eine andere Welt. Und auch wenn die dunkelblaue Wandfarbe mit Glitzerpulver das Weltall suggeriert, ist kein Fliegen dorthin mehr möglich. Der Satellit ist zur passiven Skulptur geworden, er verliert im Orbit den Bezug zur Welt und die Welt den Bezug zum Satelliten. Die Betrachter*innen werden zu Zeugen*innen von etwas, das ist und nicht mehr ist. Vielleicht eine Anspielung auf die grosse Menge von funktionslosem Schutt, der im Weltall weiter kreist und kreist. Der Satellit hier wie dort ein Objekt, das durch konserviertes Nichtsein fasziniert.

Maria Bill (*1963 ) ist in Genf aufgewachsen und absolvierte dort ihre Studien in Innenarchitektur und Kunstvermittlung. Sie lebt und arbeitet in Zürich. Ihre Medien sind Zeichnung, Druckgrafik, Collage, Malerei, Objekte und Künstlerbücher. Sie beschäftigt sich mit den Themen Stadtlandschaft, Architektur, Kristalle und Science-Fiction und bilden die Grundlage ihrer künstlerischen Werke. 2023 residierte sie in der Cité Internationale des Arts in Paris. Seit 2019 leitet und kuratiert sie zudem mit Regula Weber und Antonia Hersche den
Artist-Run Space www.nano-raumfuerkunst.ch und arbeitet auch im Kollektiv RAM.


Text: Sibylle Meier
Bilder: Christian Beutler

Für ring ring entscheidet sich Navid Tschopp, zum ersten Mal mit Styropor zu arbeiten und klebt für seine Arbeit mehrere 10cm dicke Styroporplatten zusammen. Mit einem heissen Draht schneidet der Künstler runde Formen heraus. Eine organische, unkontrollierte Masse aus künstlichem Material ist entstanden. Sie breitet sich in der ganzen Telefonkabine aus und fliesst auf der Aussenseite der Kabine ungehindert weiter. Durch die weisse Farbe bildet die Figur einen Kontrast zum satten Grün der Natur und markiert so das Spannungsfeld zwischen Künstlichkeit und Natürlichkeit. Die Kabine scheint ihrer ursprünglichen Funktion, ein Gespräch zwischen zwei Menschen zu ermöglichen, vollständig entrückt. Navid Tschopp nimmt jedoch mit dem heissen Draht, den er zum Schneiden des Styropors verwendet, Bezug auf das Telefonieren. Möglich, dass der Künstler mit dieser Werkzeugwahl und dem roten Telefon auf den heissen Draht, die ständige Fernschreibeverbindung zwischen der Sowjetunion und denVereinigten Staaten während des kalten Krieges verweist. Möglich auch, dass er mit dem Werk auf den Krieg zwischen Russland und Ukraine aufmerksam macht - wurde doch der heisse Draht deswegen erneut installiert.¹ Vielleicht symbolisiert die weisse Skulptur auch schmelzende Gletschermassen, verformt durch die Hitze des Klimawandels, den Weckruf mit sich reissend. Oder vielleicht soll das Herausfliessen des Kunstwerks aus der Kabine die Betrachter*innen dazu animieren bei der Deutung „out of the box“ zu denken.

Navid Tschoop (*1978) ist in Maschad im Iran geboren, lebt seit 1987 in der Schweiz und ist seit vielen Jahren in Zürich zu hause. An der Zürcher Hochschule der Künste absolvierte er einerseits ein Studium in Kunstvermittlung und andererseits einen Master of Arts in Fine Arts.
Atelierstipendien führten ihn nach Istanbul und nach New Delhi. Zudem wurde seine Arbeit mit Werkbeiträgen gefördert und mehrere Kunst-am-Bau-Projekte realisiert. Navid Tschopp äussert sich mit subtilen und spielerisch wirkenden Interventionen im öffentlichen Raum zu aktuellen, oftmals auch politischen Themen.

¹ Die Verbindungen sollen die Möglichkeit schaffen eine Friedensgefährdung durch Irrtümer, Missverständnisse oder Verzögerungen im Kommunikationsweg zu verhindern (Quelle, Wikipedia)


Text: Sibylle Meier
Bilder: Christian Beutler